HLS

Trashcan Sinatras "Weightlifting"

2004年のトラ（ッシュ・）キャン（・シナトラズ）復活作。トラキャンといえば何はなくとも"CAKE"ですが、最近これをよく聴いてます。アルバム通して考えると"CAKE"よりも完成度高いかもしれません。よたったりしない（ライブではそうでもないらしいですが）リズム隊とキラキラした音像が持ち味の彼らですが、8年ぶりのこの作品でも煌きは健在。"CAKE"がただの若さの産物ではなかったことがわかると同時に、音楽と年齢の関係についても深く考えさせられてしまいます。大人の自然なキラキラ感があります。ハイライトはM3"All The Dark Horses"でしょうか。コーラスにTFCのノーマン・ブレイクが参加。風にはためく洗濯物があしらわれたジャケットも美しい。老けこみたくない大人のために。

Stars "Set Yourself On Fire"

全く初めて聴いた、カナダの男女ツインボーカルのバンドの3rd。どれぐらい売れてるのかわからないけど、こちらは地元のインディ・レーベルから出ています。が、演奏からもアレンジからもインディっぽさは感じません。これは一回聴いてすんなり気に入りました。なんか他のバンドに例えるのが難しいんですよね。それは「めちゃくちゃ突飛な音を出してる」（そんなこと現代においてもはや不可能に近いですけど）ということじゃなくて、なんかすごく「どこにでもありそうで、でも実は無い」って音を出してるんですよね。強いて言えばなんかプリファブっぽいなとか思ったんですけど…でも全然違いますね。それはやっぱり彼らが新しい音楽ではなく、ただひたすらによい音楽だけを作ろうとした結果だと思います。政治の話なんかはコールドプレイとかU2に任せておいて（彼らが『政治的』といえるかは、まあ置いといて）大抵のロックバンドはそうすることが最良の選択であるということの好例。エイミー・マンみたいにこれからの時期夜中に聴いたらじわじわキそう。

相対性理論「ハイファイ新書」

あのPerfumeを上回る（←というか、飽きてきた）才能…いや00年代を通して初めて、本格的な日本発の巨大な（グループとしての）才能に触れたんじゃないかと思うほどの衝撃を受けました。自分より年下の日本のバンドで初めて心から「かっこいい！」と思いました。相対性理論。

「LOVEずっきゅん」も確かに凄いと思ったんだけど、「シフォン主義」ってミニアルバムの「スマトラ警備隊」「夏の黄金比」を聴いてこれはヤバいなと思いました。当然のようにAメロ→Bメロ→サビなんていう定型には陥ってないし、かといって我々を突き放したままにしない、愛さずにはいられない音です。スミスのジョニー・マーが引き合いに出されているようですが、久々にクリーントーンで聴かせるギターを聴きました。リズム隊もじっくり聴き込むと手の込んだことをしており、音響的なこだわりも相当のもののようです。意識的なスカスカの音像とやくしまるゆうこの声が、文字通り耳に突き刺さる。

そして最大の特徴は勿論その歌詞にあると思うんですが…例えば「サザン」とか「中村一義」みたいな大発明という感じはなく、歌詞の乗せ方というのはそれほど意識的ではないし特徴も無いと思うんです。彼らが重点を置いているのはむしろ歌詞そのもので、韻が踏みまくられているのと同時に、散りばめられた固有名詞がどう響くのかということを非常に大切にしている感じがします。選ばれている固有名詞も同時代的なものを（おそらく意識的に）選択しているのが明らかで、そこに私は大変好感を持ちました。

私は常々思っていたんですけど「これから先ずっと聴いてもらえるポップ・ミュージックを作りたい」とかいう名目で作られた音楽って、あんまり面白くないですね。というかそれはおこがましいと思うんです。それはポップ・ミュージックの役目ではないし、同時代の人々にうたかたの夢を見せたりとか胸を打ち抜いたりするというポップスの義務すら放棄している。結局誰の胸も打ち抜けないと思います。例えば全盛期の「ビートルズ」とか「ビーチ・ボーイズ」だって、そんな大それたこと考えていなかったのではないか？彼らは自分たちの中から自然に沸いてくる曲想を曲にして、皆の前で演奏したりレコードに吹きこんだりするだけで楽しくてしょうがなかったのでしょう。皆の耳にどう響いているかということすら考えていなかったかもしれません。それが結果的に50年の聴取に耐えうる音楽になった、という。

相対性理論は一周回って、自覚的にそのへんをコントロールしようという気概が見え隠れしています。過去も未来も考えず、現在の人々の耳にはどう響くのか？だけを考えている、気がします。それはほんとに頼もしい姿勢だし、圧倒的に正しいと私は思います。

「ハイファイ新書」は彼らのファースト・フル・アルバムにあたります。「LOVEずっきゅん」「スマトラ警備隊」なんかはただの見せ物に過ぎなかったのではないか？と思えるほどのびのびと自由に手の内を見せつけてくれます。細野晴臣の影もちらちらと見え隠れ。これからがほんとに楽しみ。

V.A. "Mod Jazz"

モッズとジャズといえば、私がじっとしていられなくなる二大要素なので（なんたって90年代育ちなわけで…）、"Mod Jazz"ってコンピがあればそりゃ買ってしまいますよ。全体的にハモンド＆ヴァイヴ率高め、抑えめの渋いグルーヴが展開。私が顔と名前一致するのはシャーリー・スコット、キャノンボール・アダレイ、カル・ジェイダー、ケニー・バレルあたり。他の人も興味あるんだけど、例によって最近神経衰弱気味なので深く追っていく気になりません。でもこのモッズとジャズの絡みってマンフレッズとかレモ・フォーあたりを聴いてたころからいつかまとめてじっくり研究してみたいと思ってたんです。こういう音楽だったら私は馬鹿みたいに延々と聴いてられる自信があります。

OHIO KNOX "OHIO KNOX"

大学のときフィフス・アヴェニュー・バンドという60年代のバンドが結構気に入っておりまして、このバンドのピーター・ゴールウェイ（並びにケニー・アルトマン）って凄く才能ある人（たち）だな～と思ってました。私はラヴィン・スプーンフルが好きなんですけど、ラヴィン・スプーンフルってやっぱり大衆的で、例えるとNHK教育テレビ的な感じがします。キャラ立ちもはっきりしてるし。あ、「セサミ・ストリート」的って感じかな…。ピーター・ゴールウェイのフィフス・アベニュー・バンドはそれよりも大人っぽい感じがしました。かといって難解になったりするわけでもなく、凄く軽やかで清新で瑞々しく若々しい音楽だったように記憶してます。最近聴いてないんですけど、でも「フィフス・アヴェニュー・バンド」と聴けばその音像を自然に思い描くことができます。

そのピーター・ゴールウェイがL.A.に向かい作り上げたという事実上のファーストソロアルバムがこちらであります。ラヴィン・スプーンフルのジョン・セバスチャンも参加（どうやらスタジオの裏の山にテントを張って住んでたそうです…時代ですねえ）。ジャズとフォークとロックの美味しいとこどりをしてるんですけど、打算的な感じがせず自分の中から湧き出るようにやってるのが素晴らしいですね。基本は明るい音楽なんだけど、俺にはこういう表現しか出来ないという直向きな想いが胸を打ちます。ジョー・ママとか好きな人も是非。

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□□□（クチロロ）いいですね。勝手にもっとフォーキーな音楽なのかとか思ってたんですが、全然違いましたw(FADER/HEADSから出てたんですね、って懐かしい響きが…サンガツとか…) Jamie LidelとかBenny SingsとかKings of Convinienceとかと近いものを感じます。

Vince Guaraldi Trio "A Boy Named Charlie Brown"

TVアニメ版「チャーリー・ブラウン」の、ヴィンス・ギャラルディ・トリオによるサントラ。とにかくバラエティ豊かで楽しいピアノ・トリオですけど、からっとした西海岸ジャズの魅力も同時に味わうことが可能。最近よく流してる一枚。

V.A.「音壁JAPAN」

音壁＝ウォール・オブ・サウンドということで、日本を代表するスペクター狂の80年代以降の研究発表会。テクノロジーは勿論50年前から進歩しているんだけど、それを使ってわざわざ50年代フィレスのあの感じ、あの残響、あのエコー…を完成させることに血眼になっている日本人たちの姿は少しもの哀しいものがあります。これはもはやコスプレの域までいってしまってる。それほどまでにスペクターはポップスの黄金律を完成させてしまったというのか…。

シリア・ポール「夢で逢えたら」（大瀧/山下組）、シュガーベイブ「雨は手のひらにいっぱい」なんかがいいのは当然として、それ以外で私が気に入ったのは松田聖子「一千一秒物語」（松本/大瀧組)、杉真理「夏休みの宿題」、多岐川裕美「酸っぱい経験」というところでしょうか。浅香唯の「Ring Ring Ring」なんてまさに確信犯的（←誤用）ウォール・オブ・サウンドで心底びっくりしました。

佐野元春「SOMEDAY」はいいとして、中山美穂&WANDS「世界中の誰よりきっと」がウォール・オブ・サウンドっていうのは???と思ったけど、じっくり耳を傾けてみると確かにそうですねこれ。

Dr.Buzzard's Original Savannah Band "Dr.Buzzard's Original Savannah Band"

記念すべき2009年一発目にご紹介いたしますレコードはDr.Buzzard's Original Savannah Bandの1st。"Sunshower"って曲が色んな曲の元ネタになってたり、ベン・ワットが薦めてたり、「フリー・ソウル」シリーズに入ってたりしたので気になってたんですけど、これ聴いたら素晴らしさに唖然としてしまいました。"Sunshower"以外の曲があまりにも良くて。年代的にちょっと違うんですが、バーバンク系の音楽とかスパンキー&アワ・ギャングなんかを連想させるエキゾチックな視点があるけど、あれぐらい狂気的にディスカバー・アメリカしていくんじゃなくて、もっとエンターテインメント！してる感じ。スウィングの要素もあるんだけど、全然重くならず綿菓子みたいにふわふわしております。かつビートは自覚的でしっかりしてる。「こんな音楽を求めていた」なんてなかなか言えないけど、それぐらい私好みの音楽であります。まだまだ私の知らない素晴らしい音楽が世界には沢山あるんだな、と感激しました。

V.A. "Mellow Beats, Rhymes & Vibes"

何か面白そうなCDは無いかと地元のTSUTAYAをぶらぶらしてたら目に入ったコンピレーションです。内容はといえばこれが実にジャズィ～でメロ～（タイトル通り！）なHIPHOP…って小馬鹿にした感じで書いておりますが、やっぱりこういう音楽が大好物なんだからしょうがない。実に気持ちいいです。このシリーズ全部集めたいな。基本的にはジャズから引用してきた大ネタを使ってて似たようなBPMなんですが、「それだけ」って感じになってないのがいい。まあこの中で私の知ってるバンドはCrown City Rockersぐらいだったんですが。頭良さげな文系HIPHOPです。選曲はお馴染み橋本徹(SUBURBIA)。

V.A. "Bears Banquet vol.1"

2000年ぐらいに私がウェブサイトを始めたころから、ずっとリンクを貼らせてもらっている「こぐまレコード」のオムニバス盤。これは東京都下の抱える病理を暴こうとする静かなる革命なのか。ヴェルヴェッツ「アフター・アワーズ」を彷彿させるこぐま更新係「こぐまレコードのテーマ」から始まる、中央線と京王線の間に確かに存在する「何かが起こりそう、でも結局何も起こらない」という茫漠たる一帯に落ちてくる、優しい朝の光。都市の夜明けのスピードは意外と速い。まどろんでいる時間はもう私たちに残されてはいない。甲州街道が混み始める前に、最後の扉を開けよう。

HERON "Upon Reflection - The Dawn Anthology"

このバンドについては正直あまり知らないんですが、なんでも70年代前半に野外（野原）でレコーディングした二作を残してあっけなく解散してしまったブリティッシュ・フォーク・バンドのようで…名前は知ってたけど最近初めて聴いて、すごく面白いなあと思いました。いわゆるフォークっていう大味でべたべたした感じがなくて、凄くモダンな響きがします。ぼそぼそ会話したり、小鳥がピーチクパーチクいってるけど狙いすぎの感じがなくてなかなか良い。Kings Of Convenienceの源流を見た気がします。二枚組みアンソロジーなので、ピンポイントでハマらないとずっと聴いてるのは辛いかもしれませんがね。

Jason Falkner "I'm OK...You're OK"

20代前半ぐらいまでは、ロックに関して他人が知ってるバンドを自分が知らなかったりすると凄く焦ったりしてたんですが、最近そういうのが全然なくなってきた気がします。ロックも相変わらず好きなんですが、自分の気に入ってるバンドだけ掘り下げて深く聴いてればいいや…という、いわば音楽的引き篭もり状態です。というのは新しいバンドに触手を伸ばして失望する、ということがここ数年凄く多かったもので…。そんならマイブラとかティーンエイジ・ファンクラブとかウィルコとかR.E.Mとかソニック・ユースみたいな、いつ聴いても安心できるおじさんおばさん達の音楽から学ぶことのほうがずっと多いです。若い人の衝動からしか学べないことも確かにあることはわかりきってるんですが…。

というわけで私にとって安心できるおじさんの一人であるジェイソン・フォークナーの新譜です（ちなみに彼も今年40歳！）。1stは一人多重録音の傑作でありますが、あまり話題に上らない2ndも私は愛聴しており、常に新譜を心待ちにしている一人でありました。この人の曲はキャッチーだけど実にコクがあり（そういうところは私にとってXTCと近しいです）、ストレートな曲もどっかに捻りが効いてて結構耳に残るんです。で、一番感心してしまうのはそういう捻りが自然に沸いて出てきている感じがあるところですね。ひねくれようと思ってひねくれてないっていうか。図らずもひねくれてしまう、というところに彼の音楽が抱える一抹の悲しさ（つまり、バカ売れすることは決してない＝一生大金持ちにはなれないであろうということ）が見え隠れして、そういうかたには私はどうも思い入れが強くなってしまいます。

そんな私の思いを知ってか知らずか（知るわけない）、本盤も粒ぞろいの楽曲が並んだ名盤であります。これを偉大なるマンネリズムと取るよりも円熟と取るのは私の愛情の成せる業か。く○りとかいうバンドと絡んでなきゃ満点でした。

銀杏BOYZ「君と僕の第三次世界大戦的恋愛革命」

ゴイステ時代よりもいわゆる一般的な「青春」というテーマから離れているだけに、ぐっと犯罪性が浮き彫りになり面白くなってきた、と同時に翻って我々の意識化に存在する普遍性に抵触しつつある（気がする）バンドの二枚同時デビュー作、のうちの一枚。

別に女性蔑視の発言ではないんですけど、このバンドの本質（自分が正確に捕えられてる、というほど面の皮は厚くないですけど）のところは同性にしか理解出来ないのかもしれません。私たち男性が出産について頭でわかったような気がしてわけもわからず死んでいくのと同じで…。

よく考えてみると彼らの歌ってることは、形は変わってるけどプレスリーとかエディ・コクランが歌っていたようないにしえのロックンロールと、それほど差があるように思えない…というか実際彼らがやってるのはしごく王道のロックです。そう考えると王道のことをやる＝楽をする、というわけではないんだなということがよくわかります。確かに彼らのやってることは一つの芸能になってるとは思うんだけど、それにしてはコントロール不能な不確定要素が多すぎるから。さらに言えば彼らのもう一つの芸である「最も汚らしいものの組み合わせの中から最も美しいものを生じさせる」っていうのは、嗚呼なんとこれもまたイギー・ポップ→バットホール・サーファーズと続く裏・王道であることよ！

ところどころにウィーザー的展開を見つけて懐かしく思いました。

Michel Legrand"Legrand Jazz"

白人がやるジャズ、というテーマについて最近考えこんでしまうことが多いです。ユダヤ人を含めた白人が行ったジャズ的表現の中には、ほぼ間違いなくある種の屈折が見られるし（スタン・ゲッツにおいてはかなり希薄だと思いますが）、白人ジャズメンの中で芸術的な達成をみた人は、ほぼ間違いなく不幸そうであります。たとえポーカーフェイスであろうとも、滲み出る悲哀が確かにある。

ミシェル・ルグランは「シェルブールの雨傘」「ロシュフォールの恋人」のサントラを聞いて「なんたる才人…」と息を呑んだんですが、この「ルグラン・ジャズ」ではさらに濃密に展開されるルグランの世界が堪能できます。マイルズ・デイヴィス、ベン・ウェブスター、コルトレーン、ビル・エヴァンス、ハンク・ジョーンズ、ドナルド・バード、アート・ファーマー、ハービー・マン、ポール・チェンバース、フィル・ウッズ…という眩暈を起こしそうな面子を使いながらもあざとくならず、さらりと上品に聴かせ、かつ音楽の芯のようなものは全く損なわれないように手際よく換骨奪胎と再構築がなされている。これはやはり、月並みな表現ですが、偉大なるジャズに対する真摯な敬意の現れであろうと私は思います。「リミックス」「サンプリング」といった言葉がまだ存在しなかった時代の、黒人音楽と白人音楽の幸福な邂逅の記憶。

鈴木茂「バンドワゴン」

私の考える、アフター・はっぴいえんどにおけるずば抜けた傑作。もはや「和製」リトル・フィートというのもちょっと躊躇われるほどのリトル・フィートっぷりなんですが、そこに松本隆の歌詞が適当な湿度を与えているというか、なんというか。

私は実は「はっぴいえんど」本体よりもこのアルバムとか、小坂忠「ほうろう」なんかのほうが好きなんです。「はっぴいえんど」はリズム隊が、モビー・グレイプ的、ザ・バンド的、あるいはバッファロー・スプリングフィールド的にもったりしてることが結構あるから（つまり60年代っぽいんですね、やっぱり）、日本語が乗るなら私はもうちょい軽くグルーヴする感じのほうが好みなんです。大瀧さんに関しては何故か「大瀧詠一ファースト」が好きなんですけど。

このアルバムは色んな意味でジョージ・ハリソンの初期ソロ作を連想させますね。バンド時代二つの巨大な才能の影に隠れていたギタリストが、バンドから解き放たれてその資質を開花させたという…声の線が細いところもそっくりです。まあ、音楽以前のそういう状況にこちらが純文学的に思い入れ過剰になってしまったのではないか、という反省も必要なのかもしれません。

小島麻由美「スウィンギン・キャラバン」

元々邦楽ってほとんど聴かないんですけど（薦められたら聴く程度）、新譜が出るのを楽しみに待っている邦楽アーティストって、もうこの人ぐらいしかいなくなってしまったような気がします（強いて挙げればPerfumeとサンボマスターぐらい）。中村一義は完全に興味失ったし、元フリッパーズのお二人はもう隠居みたいなもんだから大瀧詠一の活動と大差無い気がするし、冨田ラボは確かに楽しみだけど企画モノって感じが無きにしもあらず、ですからね。小島麻由美さんはずううっと淡々と活動し続けてて、私の中ではいくつになられても凄く「現役」の人、って感じがします。ルックスも昔とそんな変わらないですしね。それに彼女の最近の作品は一作ごとに良くなってきてる気がします。前作「パブロの恋人」も良かった。

彼女の歌を聴いてると、今でも数秒間に一度ほんとに素人の女子大生が歌ってるんじゃないか？って錯覚する瞬間があって（下手だ、ということではない…妙にリアリティがあるのである）、そこが私はとても好きなんです。女性アーティストではそういう、いわゆる「聖と俗を自在に行き来する」人に私は惹かれてしまうところがあります。歌唱は非常にテクニカルなんですけれども、不思議ですね。いや、テクニックの一つとしての素人臭さなんだろうか？それにしても巨大な才能だなあ、といつも思います。天才、だと思います。ほんとに。

最近思うんですけど、音楽において「懐かしさ」って凄く重要な要素じゃないでしょうか？それは「ノスタルジックな」というのとも違って、初めて聴く曲なのに何故かその曲を聴くより昔のことをふと思い出したり、とか。彼女の幾つかの曲には凄くそういった記憶を呼び覚ます力があるし、例えば私はビル・エヴァンズの「マイ・フーリッシュ・ハート」初めて聴いたときもそんな感じを受けました。そういう音楽って後々まで凄く心に残る気がします。

ところで今作では初めてタイトルに堂々と「スウィング」という言葉が冠されました。タイトルどおり今作において、彼女は今まで積み重ねてきた、声を、ひいては音楽をひたすら「スウィングさせる」様々な実験を咀嚼、血肉化し、全10曲へと結実させました。キース・リチャーズがその昔「ジャズからロックへ、4ビートから8ビートへと移行したときにスウィングは消滅した」的なことを言っていたそうですが、もし仮に彼の言っていることが本当であれば、彼女の試みはひたすらに60年代以前へと遡行していく試みであったとも言えるかもしれない。以前書いた塚本さんもそうだけど、そういうこだわりにはやっぱり頭が下がるし、かっこいいし、感動的です。今現役のアーティストで、彼女たちのようなスウィングへの情熱を持ってる人が果たしているのだろうか？いや、そんなものがあるということにも気づいていないのだろう。

私はこのアルバムの「サマータイム」って曲を20回ぐらい連続して聴いて、涙出そうになってしまいました。こんなこと珍しいです。

Ian Dury "New Boots and Panties!"

いきなり余談なんですが、私は「ライブ・スティッフス」のジャケットを見てると、喩えは悪いけど新宿の「物真似ショーを見世物にしているパブ」の看板にしか見えなくなってくることがあります。それは何故かっていうと、あそこに映っている連中のキャラが妙な具合に立ちすぎていることと、各人が皆どことなく紛い物っぽいところに起因しているのではないか？パブロックって音楽の面白いところは、狭いシーンなのに似たような音楽をやってる人があんまり見当たらないところで（それがグラスゴーと違うような気がする）、それはぶっちゃけ経済的な問題があったんではないかと私は思っております。あまりにもシーンが狭いから似たような音楽やっちゃうと限られたパイを奪い合うことになってしまう。だから各人が意識しあって…とまではいかないかもしれないけど、住み分けがあったのはれっきとした事実です。例えば月曜はブリンズリーズ観に行って、火曜日はコステロ観に行って、水曜日はフィールグッズ観る、って感じで。それは新宿に永ちゃんの真似をする人が二人としていないのと似ている、ような気がしてなりません。

さて、イアン・デューリーの本盤ははっきりいって無条件の名盤。彼は前述のパブ・ロッカーの中では一番芸人寄りだったのに、無理してやってる感が無かった希有な例かもしれません。こんな人、パブロックなんて狭いくくりのみならず、どこにも見当たらない気が…。大団円を迎える代表曲"SEX & DRUGS & ROCK & ROLL"や後のバンド名義になる"BLOCKHEADS"もいいですが、私は"Sweet Gene Vincent"って曲が好きです。

John Simon "John Simon's Album"

ザ・バンドやジャニス・ジョプリンを手がけた有能なプロデューサーであるジョン・サイモンをシンガーソングライターと呼んでいいのかわかりませんが、ジョン・サイモンのこのアルバムを聴きながら、いわゆる「シンガーソングライター」のアルバムを聴くのはそういえば久々なんだな、と思いました。シンガーソングライターの音楽は大好きなんですけど。私にとってシンガーソングライターのアルバムって、バンドの音楽とは明確な違いがあります。例えばバンドの「コンセプト・アルバム」はサーカスとかオペラのような、わくわくする感じ（「サージェント・ペッパーズ」とか「トミー」とか「アーサーならびに…」とかの影響か？）なのに対し、シンガーソングライターの「コンセプト・アルバム」は私小説や他人のblogを読むという「分け入っていく」はらはらする感じをともないます。バンドを一つの宇宙に例えることは古今東西数多くなされてきたけど、そんなこと言っちゃえば一人の人間だって一つの宇宙であるはずで、宇宙を自らの内に求めるか外に求めるか？という違いなのかな、と考えているんですけど。

例えばこのアルバムはバックをザ・バンドがやってる（クレジットされてるのはガース・ハドソンならびにリック・ダンコ、リチャード・マニュエルだけなんだけど、ロビー・ロバートソンぽいギターも聴こえてきます）上に、スワンプロック＆ウッドストック系大集合みたいな感じなんだけど、それでもこれでもかとてんこ盛りにならずにじっくり向き合って聴くことができるのは、このジョン・サイモンという男の中から自然と紡ぎ出された何のポーズも目配せもない音楽であるからだ、と言えるのではないでしょうか。ヴァン・ダイク・パークスと近しいものも感じました。

THE LOUNGE LIZARDS "THE LOUNGE LIZARDS"

ジャームッシュ映画でお馴染みジョン・ルーリーならびにアート・リンゼイの在籍するポスト・（フェイク）ジャズの古典。この文章書いてて思い出したけど去年アート・リンゼイ関係をまとめて書きたいと思ってたんですよね。そういえば先日プロデューサーのテオ・マセロが亡くなってしまったのも記憶に新しいところ。

この名作のジャケットをあらためてじっくり見てみると、触れている、自らが演奏するはずの楽器に誰も目を向けていない（さらに言えばカメラ目線なのはジョン・ルーリーだけである）んですが、これがこのアルバムの内容を図らずも暗示しているような気がしてなりません。各々の楽器との間の皮膜一枚を突き破れない苛立ちが衝突しあっています。オーネット・コールマンなんかが未だによくわからない私にとっては、彼らのなんとかポップアート然とし続けよう（そう…それは結構踏ん張ってないと難しいことなんじゃないでしょうか）姿勢って、非黒人が行うジャズ的表現の一つの可能性の探求としてはごくごく「正しい」のでは…と思います。彼らから学ぶことは凄く多い。